Museos vivos » Recorrido 2

Créditos

cviturro — Mon, 14 Jun 2010 15:05:31 +0000

Museo Nacional de Bellas Artes

Director Ejecutivo: Guillermo Alonso

Área de Extensión Educativa del MNBA: Mabel Mayol (a/c), Silvana Varela, Marina Bertonassi, Susana García, Marcela Reich, Mercedes Pugliese, Gisela Witten, Gustavo Ludueña, Alejandro Benard.

Coordinación general: Silvana Varela

Elaboración de recorridos y selección de obras: Silvana Varela y Patricia Corsani.

Textos: Patricia Corsani, Silvana Varela, Mabel Mayol (a/c) y Marina Bertonassi.

Fotografía MNBA: Horacio Mosquera (a/c), Miguel Bustos y Matías Iesari.

Asistencia documental: Gisela Witten.

Edición educ.ar: Cristina Viturro.

Orillas del Sena en Giverny

nkohen — Thu, 27 May 2010 19:29:01 +0000

Claude Monet (1840-1926), líder del movimiento impresionista, pone de manifiesto en esta obra las características plásticas del movimiento artístico al que su obra Impresión sol naciente dio nombre. En primer plano se ve el agua, trabajada a partir de pinceladas cortas, yuxtapuestas, donde el color saturado, puro, es capaz de transmitir la plenitud de la luz al aire libre. A partir de ese registro inferior, se van sucediendo la orilla, los árboles y la casa para llegar finalmente al cielo, dando apenas la sensación de profundidad.

Monet, desde su “bote-taller”, capta el instante fugaz en que la luz provoca los reflejos que él plasma sobre la tela. Pintar al aire libre implica para los impresionistas empezar y terminar la obra frente al motivo elegido del paisaje. La divulgación de los estudios de física y de óptica de Chevreul y de Helmholtz proporcionó a los impresionistas herramientas para abordar plásticamente el estudio y la observación de la luz. Por ello utilizan los colores saturados: para brindar la máxima sensación de luminosidad, evitando las mezclas en la paleta. El color, entendido como percepción de nuestros ojos en función de la luz que en parte es absorbida y en parte refractada por el objeto, da lugar a la mezcla óptica como producto de la fusión de tonos.

Este valioso cuadro del artista francés integró el envío de su país, compuesto por 498 piezas, entre las que se contaban pinturas, esculturas, grabados, objetos de artes decorativas y fotos de obras arquitectónicas. Fue adquirido con fondos del Municipio de la Ciudad de Buenos Aires mediante la aprobación de un proyecto presentado por los concejales Dormal, Idoyaga Molina y Sommer, en cuyos fundamentos se expresaba: “Que es un deber municipal propender a la cultura artística, y es un medio concurrir al fomento del Museo de Bellas Artes por la adquisición y donación de obras maestras. La Exposición Internacional de Arte del Centenario favorece la oportunidad, tanto más cuanto por falta de recursos no se han adquirido para ese destino públic, los cuadros expuestos por Anglada, Monet, Courtens, Chiesa y otros afamados autores contemporáneos, aprovechando la oportunidad única del gran torneo universal expresado”.

Es interesante acotar que el entonces intendente de la Ciudad de Buenos Aires, Manuel Güiraldes, estaba a su vez a cargo de la Comisión Ejecutiva de la Exposición Internacional de Arte del Centenario, mientras que Julio Dormal, junto con otros renombrados artistas como Lucio Correa Morales, Reinaldo Giudici y Eduardo Sívori, eran vocales de la mencionada Comisión del Centenario. Fue así que pudieron aunarse distintos criterios y factores, lo que hizo posible la adquisición y exhibición de estas obras en el MNBA.

El formato de la obra que se muestra en esta pantalla no es el original ya que ha sido modificado por necesidades de diseño.

Lungo il naviglio o El naviglio de Milán

nkohen — Thu, 27 May 2010 19:27:53 +0000

Descendiente de una familia de la nobleza de Milán, Emilio Gola (1852 -1923) realizó estudios en el Politécnico de su ciudad natal y, más tarde, tomó lecciones de pintura con Sebastiano De Albertis. En sus viajes a Francia, Holanda e Inglaterra conoció las obras de artistas europeos. Debutó como pintor en 1879, en la Exposición Anual de Brera, y se destacó en la realización tanto de retratos como de paisajes. En Lungo il naviglio o El naviglio de Milán toma una vista del famoso barrio de Milán conocido por los canales que lo cruzan. La longitud del canal se manifiesta en su característico uso de la perspectiva, que hace que la línea de la orilla, ubicada perpendicularmente al plano, se adentre con un máximo de profundidad, angostándose desde la margen izquierda a la derecha. Dicha línea de la orilla del canal estructura la composición de la obra organizando la serie de edificaciones y sus respectivos reflejos. La luz se manifiesta de manera intensa mediante la claridad de los tonos empleados y sobre todo por el uso de blancos que destacan los tejados nevados, la ropa tendida y sus respectivos reflejos en el agua. Es interesante recalcar la armónica combinación de elementos plásticos opuestos: por un lado la línea precisa del dibujo se mantiene en la delimitación constructiva del espacio a través de los elementos arquitectónicos que la constituyen, y por otro, las pinceladas de modo suelto sugieren otras formas mediante manchas.

Como la obra de Cárcano, el óleo de Gola también integró el envío de Italia a la Exposición Internacional del Centenario, fue adquirida con los fondos de la ley y remitida al MNBA.

El formato de la obra que se muestra en esta pantalla no es el original ya que ha sido modificado por necesidades de diseño.

Los creyentes

nkohen — Thu, 27 May 2010 19:19:52 +0000

Nacido en Milán, Filipo Carcano (1840-1914) hizo sus estudios en la Academia de Brera de esa ciudad, a la que ingresó en 1855. A los veinte años viaja con su hermano a París y a Londres y así conoce las obras de los paisajistas ingleses y franceses. Cuando regresa a Italia comienza a pintar obras de carácter realista que reflejan escenas cotidianas, como La partida de billar (1873) o La Escuela de Baile (1874) hasta que, a partir de 1877, se vuelca a la pintura de paisajes. En 1878 gana el premio Mylius y en dos oportunidades (en 1882 y 1897) gana el Premio Príncipe Umberto, a partir de lo cual obtiene el reconocimiento de la crítica y del público.

Su obra Los creyentes formó parte del envío de Italia (conformado por 205 piezas) a la Exposición Internacional del Centenario y fue adquirida con fondos de la ley Centenario por la Comisión Nacional de Bellas Artes, y remitida al MNBA.

De la imagen se desprende la intención del artista de que el paisaje brinde un marco apropiado para mostrar la peregrinación de los fieles a la iglesia, cuya torre se divisa en la lejanía. Una sucesión de pañuelos blancos apenas sugiere las figuras cuyo tamaño disminuye mientras siguen la línea de perspectiva de la orilla, desde la cual un hombre observa el desfile. La imagen devocional y las cruces se divisan por encima de la muchedumbre.

Pinceladas sueltas y relativamente anchas indican los reflejos tanto en el agua como en el cielo. La luz se expresa mediante tonos de valores más altos (es decir más claros) en algunos sectores del cielo y del campo, acentuando una línea que acompaña la dirección de los creyentes. Es notable la influencia del pintor italiano Giovanni Carnovali, llamado Il Piccio (1804-1873), en la obra de los pintores de Milán como referente del paisaje, tanto por la estructura compositiva como por el contraste de luz. Carcano, sin embargo, se diferencia del maestro al alejarse de la mirada del romanticismo, para acentuar la captación de una realidad que enfatiza el carácter regional: se trata de la imagen del pueblo con su profunda religiosidad, dentro del contexto de la Italia liberada de dominios extranjeros y unificada políticamente a partir de 1870.

El formato de la obra que se muestra en esta pantalla no es el original ya que ha sido modificado por necesidades de diseño.

El genio de la guerra

nkohen — Thu, 27 May 2010 19:18:25 +0000

El proyecto de El genio de la guerra fue presentado por Rodin (1840-1917) en ocasión del concurso abierto para realizar un monumento que conmemoraría la defensa de la ciudad de París durante la guerra franco-prusiana. La obra, sin embargo, fue rechazada porque no respondía al gusto dominante de entonces: el conjunto aparecía cargado de violencia y tensión. Aquí, el guerrero no es el héroe dispuesto para la defensa, está herido y su cuerpo se quiebra marcando un ritmo descendente. Estableciendo un fuerte contraste, la figura alegórica femenina se despliega en movimiento ascendente con los puños en alto y en gesto de gritar. Los personajes traducen la conmoción interior a través de los cuerpos, del énfasis en los gestos y los rostros: este grupo escultórico es una muestra temprana del carácter revolucionario de la escultura de Rodin.

El bronce que se exhibe en el MNBA fue fundido en 1909 para ser presentado en la sección francesa de la Exposición Internacional del Centenario de la República Argentina.

Niña con perro

nkohen — Thu, 27 May 2010 19:17:13 +0000

Hijo de un diplomático ruso instalado en Italia, Paul Troubetzkoy (1866-1938) esculpió figuras de niños y animales, y también los retratos de personalidades de su época como León Tolstoi, Matías Errázuriz y Anatole France, por mencionar a algunos de ellos.

La obra Niña con perro está firmada y fechada (“Milano 1897”) y representa un emotivo encuentro entre una niña y su mascota, en la que el artista transmite el amor maternal de la pequeña hacia el animal. Troubetzkoy se aleja de la fidelidad del naturalismo para definir a los dos personajes de un modo distinto, y utiliza rasgos poco definidos pero imprescindibles para que el espectador identifique a los personajes y sus actitudes.

Donaciones y compras en la Exposición Internacional de Arte del Centenario

nkohen — Thu, 27 May 2010 19:14:36 +0000

Hacia 1909, Buenos Aires contaba con 1.224.000 habitantes, la mitad de los cuales eran extranjeros. Además de su fuerza de trabajo, los inmigrantes trajeron consigo la lengua, la ideología y las costumbres de sus países de origen. Ya para ese año la ciudad respiraba la euforia del próximo Centenario de la Revolución de Mayo: los preparativos para el festejo, que se habían iniciado al comenzar el siglo, impulsaron su progreso y la hicieron brillar a los ojos de los visitantes. Figuras como Georges Clemenceau, Adolfo Posada y Jules Huret, entre otros, transitaron las calles de la ciudad y la describieron en sus libros o artículos.

En ese plan de festejos, las exhibiciones tuvieron un lugar importante y así se organizaron la de los Ferrocarriles, la de Industria, Agricultura e Higiene y también, la Exposición Internacional de Arte del Centenario que, entre julio y noviembre de 1910, presentó las secciones nacionales e internacionales con importantes obras de artistas que representaban a sus respectivos países, entre los que se contaban Francia, España, Italia y Alemania. Doce países integraron la muestra y participaron del concurso internacional: muchas de las obras que se presentaron no regresarían a sus lugares de origen.

Por primera vez, el Estado argentino apoyó fuertemente este proyecto que, Congreso mediante y con colaboración de la Municipalidad de Buenos Aires, permitió concretar la adquisición de obras de arte para el Museo Nacional de Bellas Artes. Eduardo Schiaffino, director del museo, y la Comisión Nacional de Bellas Artes llevaron a cabo la selección de las obras que hoy forman parte del patrimonio nacional. También algunos coleccionistas de Buenos Aires, como la familia Guerrico, compraron obras que con posterioridad donaron a la institución. Estos son algunos de los trabajos que el Museo incorporó a su patrimonio en esa oportunidad.

El formato de la obra que se muestra en esta pantalla no es el original ya que ha sido modificado por necesidades de diseño.

La vuelta del malón

nkohen — Thu, 27 May 2010 19:12:35 +0000

Esta obra de Ángel Della Valle (1855-1903) es quizás una de las más significativas desde el punto de vista del mensaje que quiere transmitir. La vuelta del malón (1892) describe el regreso de los indios con el importante botín, destacando su salvajismo y la barbarie sin límites. El artista parece definir ese botín y nos hace una enumeración para alertarnos: la cruz, el cáliz, la vestimenta del sacerdote, la Biblia, las cabezas de las víctimas, la valija, los caballos y, sobre todo, la presencia de la mujer blanca cristiana –la cautiva- indefensa y robada por el indio. Esta imagen de la cautiva, desarrollada en la literatura por Esteban Echeverría, fue tema de algunos otros pintores.

Aquí, claramente el pintor está haciendo una obra de propaganda: la barbarie identifica al indio, la civilización a la víctima, es decir, al hombre blanco. A varios años de finalizada la llamada “conquista del desierto”, la obra intenta rescatar del pasado el tema del malón para justificar la masacre de los indígenas a manos de los blancos.

En la imagen, el malón avanza hacia el primer plano con fuerza arrolladora mientras los incendios en la lejanía revelan de dónde vienen los indios y las consecuencias de su paso por el lugar.

El formato de la obra que se muestra en esta pantalla no es el original ya que ha sido modificado por necesidades de diseño.

Desnudo (Mujer oriental)

nkohen — Thu, 27 May 2010 19:10:57 +0000

Algo diferente es el cuerpo que pintó Severo Rodríguez Etchart (1865-1903) en Desnudo (Mujer oriental), obra de 1889. La piel blanca de la joven, pintada sin que quedaran marcas de pincel, se destaca de los desnudos antes mencionados. Luciendo un tocado con monedas doradas y una gargantilla, la muchacha no mira de frente, pero está recostada sobre ricas telas ornamentadas; un narguile acompaña la composición. En los salones parisinos era frecuente ver exhibidas obras de temática exótica, una iconografía desarrollada durante el romanticismo, a través de los viajes de los artistas a lugares del Oriente o el norte de África como Marruecos. Así, los personajes orientales ocuparon un lugar destacado en las pinturas o esculturas de la segunda mitad del siglo XIX.

El formato de la obra que se muestra en esta pantalla no es el original ya que ha sido modificado por necesidades de diseño.

Reposo

nkohen — Thu, 27 May 2010 19:09:01 +0000

Tanto por el color azul del cuerpo desnudo de la modelo como por su ambigüedad sexual, esta obra de Eduardo Schiaffino (1858-1935) fue muy discutida.

La joven mujer que no muestra su rostro fue presentada por el autor inspirándose en su maestro francés Puvis de Chavannes. Schiaffino usó como modelo a una adolescente, Jeanne Copin, que posteriormente fue su esposa.

Esta pintura fue presentada en la Exposición Universal de París de 1889, expuesta posteriormente en Buenos Aires y adquirida por el Estado nacional para el Museo en 1904. Como se dijo, Eduardo Schiaffino fue, además de pintor, el fundador y primer director del Museo Nacional de Bellas Artes, entre 1895 y 1910. Crítico de arte, jurado de concursos, participante activo de los ámbitos de consagración de los artistas, Schiaffino también formó parte de la Comisión Nacional de Bellas Artes.